Cocina de otoño

La fotografía de alimentación es una de las técnicas fotográficas más difíciles de la fotografía comercial ya que requieren de un trabajo minucioso de preparación, composición e iluminación. Vemos fotos de alimentos cada día, desde las de la carta de un restaurant de menús ,hasta el “packaging” de los productos en los supermercados, o los reportajes en las revistas de gastronomía.

Isarrualde Photography off camera flash

Esta portada la realicé para la revista Comer y Beber. En ella se puede leer que el tema principal era la cocina de otoño, aunque también el número trataba sobre recetas con miel y otros temas.

Isarrualde Photography off camera flash

Como se aprecia en la imagen anterior la composición general está condicionada a la cabecera de la revista y los otros textos que incluye la portada. La imagen y los textos deben convivir en armonía gráfica para que ambos destaquen y se complementen.

Por otra parte, el estilismo y la iluminación se condicionan al “target group” o “mercado” de la revista. Cada revista se produce pensando en un consumidor, donde importan mucho los criterios demográficos como la edad, género y variables socioeconómicas. De allí que un mismo grupo editorial puede tener en quiosco distintas revistas del mismo tema, pero destinadas a diferentes públicos.

A modo de ejemplo, Comer y Beber y Comer Bien son dos revistas del mismo grupo editorial pero tanto las recetas, precio de los alimentos utilizados en las recetas, estilismo, dificultad de la elaboración, diseño gráfico y estética de la fotografía, se condicionan al mercado que compra la revista.

Isarrualde Photography off camera flash  Isarrualde Photography off camera flash

Recetas com miel

En el número de otoño también realicé el reportaje de recetas con miel. No fue el reportaje de portada, pero fue interesante resolver el desafío que implicaban las recetas y la miel.

Isarrualde Photography off camera flash

La “ensalada de cítricos con mousse de queso” fue uno de los platos mas interesantes de realizar. Los colores vivos de los langostinos, las mandarinas y las naranjas contrastaban con el azul de la copa. Como el contraste cromático ya era intenso, con la estilista no quisimos agregar más colores a la foto por lo que decidimos que el fondo también fuese azul. El color y la textura de los fondos o el ambiente alrededor del plato es fundamental para reforzar el estilismo del plato y la iluminación.

Isarrualde Photography off camera flash

En la fotografía anterior vemos que como luz principal se utilizó una ventana grande Wafer de Bowens, en posición de semi contraluz oblicuo. Esta luz suave, amplia y envolvente daba un contraste bajo de iluminación y desaturaba algo los colores originales, pero ya resultaba conveniente pues había mucho blanco en el queso y un contraste fuerte hubiese sido problemático. A ambos lados de la cámara situé tres reflectores, dos blancos y uno plata que ayudaron a disminuir aún más el contraste.

Bowens Fresnel

Por último coloqué una luz de efecto dura, desde la misma posición que la luz principal para dar algo de brillo a los productos. Ésta luz de efecto, tenía un + 1 EV de potencia que la luz principal de la ventana. Utilicé un accesorio de Bowens con una lente Fresnel. Ésta lente tiene la particularidad de que emite rayos paralelos como ya expliqué en otro post. El brillo, por lo tanto, iba a ser muy puntual y dirigido exactamente a donde interesaba que apareciese.

Fresnel

Es de destacar, el importantísimo papel de la “home economics”, o estilista de alimentación. En la fotografía de alimentos, el fotógrafo trabaja en colaboración con una estilista de alimentación quien no solo elabora las comidas, sino que define el estilismo del plato y conjuntamente con el fotógrafo, define el estilismo general de la imagen. El fotógrafo decide el mejor punto de vista para el plato presentado y también ilumina para marcar el carácter de lo que se quiere enseñar.
En estas fotografías que hoy presento trabajé con la inestimable colaboración de Ester García, una de las mejores estilistas de Barcelona con las que he trabajado.

Isarrualde Photography off camera flash

Como en otras áreas de la fotografía comercial, en este campo también hay modas y los estilos van cambiando con el tiempo. Hoy día se estilan las fotografías con poca profundidad de campo, es decir que haya un foco muy selectivo sobre algún elemento importante y lo demás quede sugerido. También a veces se escogen puntos de vista bajos, como si fuesen a la altura de la vista de un comensal y encuadres próximos, no muy abiertos.

Isarrualde Photography off camera flash

Hemos de tener muy en cuenta el balance de blancos en este tipo de fotografía. Una taza de leche que resulte con leves dominantes amarillas no se vera como algo agradable de beber. Y alimentos que se representen en la fotografía a una escala mayor de lo que son en la realidad, confunden sobre el tamaño real del alimento o el plato elaborado.

Isarrualde Photography off camera flash

Por último, menos es más. ¡ Un plato de comida que no resulte servido en exceso, resultará mas elegante !

¡ A comer !

Esquema de iluminación  Esquema de iluminación

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Prohibida toda reproducción parcial o total sin el consentimiento escrito del autor.

Mecánica Industrial

Dos de mis tíos han trabajado en fábricas de automóviles y tres de mis primos han estudiado mecánica industrial por unos años. Si bien mi vocación estuvo lejos de allí, siempre me han gustado las herramientas y las máquinas. La sistematización industrial automática basada en la electricidad, la electrónica, la hidráulica y la neumática han producido máquinas fascinantes que me recuerdan la película futurista Metrópolis de Fritz Lang, obra maestra que quizás haya influido en Tiempos Modernos de Chaplin.

Isarrualde off camera flash  modelo Belén Cuello / Valentino Bookings

La idea de realizar una clase de Moda en el taller de Mecánica Industrial de la Escuela Don Bosco de Montevideo surgió porque un tiempo atrás había realizado otra clase en ese centro de enseñanza y me gustó mucho esa atmósfera de otros tiempos que tiene el edificio. Como decía antes, algo me recordó a Metrópolis por lo que las primeras poses fueron un guiño al personaje del robot que usurpa la figura de María, la heroína del film.

Maria_from_the_film_Metropolis_on_display_at_the_Robot_Hall_of_Fame Maria en el Robot Hall of Fame

La ropa quizás ayudó a que me formase esa idea y optamos por un maquillaje muy marcado, algo parecido a como se maquillaba en los tiempos de la película, con contornos de ojo muy delineados.

Metropolis  María en Metropolis

La luz ambiente era escasa al trabajar a 200 ISO por lo que tuve que utilizar un diafragma f4 y una velocidad de obturación muy lenta.  Podría haber subido el ISO pero la modelo era muy profesional y supo no moverse durante cada disparo. El foco fue muy crítico ya que no suelo trabajar a un diafragma más abierto que f 5,6 en temas de Moda, pero en esta localización no quise que la profundidad de campo fuese muy grande.

Bowens softlite  Softlite de Bowens

Un Beauty Dish de Bowens como luz principal produjo un degradado intenso donde la luz se va perdiendo a medida que llega a las manos. Como el ambiente era bastante oscuro y el contraste alto, coloqué un difusor circular de Lastolite para aumentar algo la superficie de iluminación principal y de este modo disminuir un poco el contraste general en el cuerpo de la modelo. Las dos luces de efecto que coloqué en semi contraluz oblicuo tenían ventanas Wafer 60 y estaban a un valor + 1 EV sobre la luz principal del Beauty Dish. De este modo el perfilado en el pelo, brazos y ropa oscura destacaba y separaba a la modelo del fondo.

Wafer softbox  Caja de luz Wafer

Como ya expliqué en otro post, las cajas de luz de Wafer son de muy alta calidad por su gran difusión, en relación a otras ventanas.

Isarrualde Photography off camera flash

La segunda toma era más complicada ya que la chaqueta era de terciopelo negro con solapas muy brillantes. La fotografía de Moda, más allá de sus intenciones de  impacto visual, debe enseñar la ropa y entenderse como es. La opacidad del terciopelo y el brillo del satén contrastan la prenda y tuve que cambiar el esquema de iluminación.

En esta toma quise que el ambiente se viese más, a la vez que debía resaltar los brillos de la prenda. Utilicé una ventana frontal para “espejar” los brillos del satén y lograr un rostro con menos contraste, más suave. Por otra parte dirigí uno de los flashes hacia el techo blanco para lograr un rebote de la luz en una superficie amplia y destacar algo más el ambiente. Un tercer flash por la derecha iluminó una de las máquinas de fresar.

Isarrualde Photography off camera flash

La tercer prenda también tenía su dificultad. Como se puede apreciar la colección era en torno al color negro brillante y aquí había que resaltar los pliegues de la blusa. Por otra parte la falda era corta y las piernas muy largas y bonitas. La luz en este caso fue cruzada para resaltar la prenda y dar volumen a las piernas. Utilicé dos cajas de luz Wafer de Bowens como luz principal y el Beauty Dish frontal con el difusor Lastolite solo actuó como luz de relleno, o secundaria, para disminuir el contraste en las sombras.

Lastolite diffuser  Difusor Lastolite con soporte LL LA1104

La pizarra que casualmente estaba ilustrada con dibujos de clase era un buen elemento para cerrar la perspectiva y hacer algo distinto a las dos tomas anteriores. En este caso la coloqué frontal a la cámara para evitar que se produjesen brillos sobre ella. El el plano era mas abierto que los anteriores, por lo que me animé a disparar a f 2,8 con una distancia focal de 46 mm.

En esta toma el calzado y la estilización de las piernas eran muy importantes y la modelo posó de maravilla. Su calzado era adecuado, me gustó mucho, pero no pude olvidar la inspiración inicial en la ciencia ficción de Metrópolis y recordé los tacones en forma de cono que Nicholas Ghesquière diseñó para Balenciaga en la colección Primavera 2009. Hubiesen quedado muy bien, en este ambiente tan mecánico y tan industrial.

alenciaga Constellation Cone Heels  Balenciaga Constellation Cone Heels

Esquema de iluminación  
Esquema de iluminación  
Esquema de iluminación  

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Yana

Dentro del curso de Moda que imparto cada año en el CITM (Universidad Politécnica de Barcelona) ya había trabajado con Yana, una modelo rusa. El resultado de su trabajo en clase fue muy bueno y decidí volver a trabajar con ella en una sesión que realicé para probar los equipos Godox de flashes portátiles, en la calle.

Isarrualde Photography  Modelo Yana / Fleming Models

En estudio su look fue muy rockero, con una iluminación amplia y algo dura para resaltar los brillos de la ropa y sus facciones, pero en la sesión realizada en exteriores preferí cambiar el estilo a algo mas “vintage”, de otra época.

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Escogí un grupo de viviendas en el barrio del Poble Nou, en Barcelona, que fueron construidas probablemente en los años 50’s, o principios de los 60’s. Se trata de un conjunto de edificios en una zona privilegiada de la ciudad, pero en un área que en su día debió de ser una barriada popular.

Alba Rodríguez Núñez  © Alba Rodríguez Núñez

Las fotos se hicieron al final de la tarde para tener un nivel bajo de luz natural y sin sombras y de ese modo poder conseguir una potencia mayor con el flash sobre la luz ambiente. El flash EX600 de Godox resultó muy bueno, con una potencia que llega a los 600 W/s y con 10 pasos de potencia variable. En otro post ya hablé de éste equipo cuya gran virtud a mi entender es el hecho que dispone de una bayoneta Bowens, además de poder colocarse en la zapata de la cámara.

Godox-EX-reflector  Godox EX reflector

Para esta sesión utilicé sin embargo una pequeña ventana octogonal de la misma marca y no las ventanas Wafer de Bowens con las que habitualmente trabajo. El difusor interior de las Wafer es de una gran calidad a la hora de dispersar la luz dentro de la ventana, mientras que en el caso de la octa de Godox, el difusor interior produce una luz no tan suave ni dispersa. Ésto no resultó un problema ya que quería trabajar con una luz algo mas dura de lo habitual y en este sentido la octa de Godox funcionó muy bien.

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En algunos casos trabajé con un ratio +1 EV, esto significa que la luz del flash estaba por encima del ambiente en un valor de exposición. De este modo la luz del flash adquiere mas protagonismo haciendo que el fondo quede algo subexpuesto.

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En otros casos, solo utilicé el flash mas cerca de Yana para lograr una mayor suavidad a la vez que a una potencia mas baja, para que el flash solo rellenase las sombras y diese algo de brillo a los ojos. Para ello, la potencia del flash la coloqué en un valor -2 EV respecto a la luz ambiente como es el caso de la fotografía anterior.

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El sol bajaba con gran rapidez y los cambios de luz se hacían muy notorios. Decidí “cambiar” la ubicación del sol y para ello coloqué el flash rasante respecto al vestido para que de este modo su volumen resaltase. Como se puede apreciar en la siguiente fotografía, el sol ya había bajado bastante.

Alba Rodríguez Núñez   © Alba Rodríguez Núñez

En total realizamos unos 4 cambios de ropa y con la carga de una sola batería Godox fue suficiente. El sistema es muy portátil y liviano y la carga de las baterías muy rápida. La única parte algo endeble del pack es que muchas partes de la antorcha son de plástico y hay que tratarlas con mucho cuidado. Por lo demás, resultó una buena opción de trabajo.

Godox EX600  Godox EX600

Mi interés principal en la sesión fue ver el resultado de la carga de la batería a la vez de ver el carácter de la luz que producía una ventana de la misma marca. Por ello no utilicé mas accesorios que ésta pequeña octa, pero fui variando la distancia entre la fuente de luz y la modelo para lograr diferentes amplitudes de la luz y la vez que distintos contrastes.

Isarrualde Photography

Tuve la suerte de contar con un gran equipo de colaboradores, entre modelo, estilista, maquilladora y un numeroso grupo de alumnos de GrisArt que hasta grabaron un “making of” que lo podéis ver en el siguiente enlace :

Godox test

Alba Rodríguez Núñez

Pero volvamos a Yana, la modelo. Ella se sentía mas cómoda con un look rockero así que cuando ya estábamos por acabar la sesión le hice unas pocas fotos rápidas con otro look. Y después de unos 200 disparos … ¡la batería aún tenía carga !

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esquema de iluminación  Esquema de iluminación

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Bolitas de coco

En la fotografía de alimentación hoy día se ha extendido la idea de que la comida resulte lo mas simple , limpia y natural posible. Para ello se busca una iluminación que si no puede ser natural, al menos lo parezca.

Isarrualde Photography

El estilismo

Para la fotografía que ahora nos ocupa, el estilismo era fundamental. Las bolitas de coco son difíciles de acompañar ya que no se trata de un plato principal que tenga guarnición, por lo que la fotografía debía resolverse con un estilismo minimalista pero que ayudase a complementar bien el producto.

En este sentido el trabajo del estilista de alimentación o “home economics” es fundamental. Lo que diferencia su trabajo del de un cocinero o un chef en el ámbito de la fotografía de alimentación, es el tiempo y el esfuerzo empleado en que el plato quede presentado de la forma mas bonita posible a la hora de realizar la fotografía. En éste sentido es muy importante que el estilista tenga la habilidad para trasladar la percepción del gusto , aromas y apariencias que uno siente frente al plato, pero visto a través de una fotografía en dos dimensiones. Se trata de un trabajo donde el fotógrafo y el estilista trabajan en equipo para lograr esa sensación.

Isarrualde Photography

La estilista había optado por colocar las bolitas de coco en unos pequeños moldes metálicos individuales de papel rizado, lo que resultó muy efectivo pues le daban contención y ayudaban a regularizar la forma exterior de las bolitas, a la vez que generaban brillos y volumen. Por otra parte se optó por una base de papel plata que repetía el acabado de los moldes y permitía – según como se pusiese la luz – reflejar la fuente de luz en su superficie.

El atrezzo fue mínimo ya que la repetición de las bolitas en sus moldes daba un ritmo formal que no necesitaba de mayores elementos compositivos. Apenas un par de copas teñidas de un color claro y unos adornos brillantes bastaron para completar el bodegón.

Isarrualde Photography

La iluminación

La luz principal se resolvió con una gran ventana Wafer de Bowens de 100 x 140 cms, complementada en el mismo eje pero en sentido contrario por otra ventana mas pequeña que disminuía el contraste general de la toma. Este set básico ya era suficiente para lograr una iluminación que pareciese natural, pero faltaba potenciar brillos sobre el producto.

Por la izquierda un flash con una lente Fresnel y su iris muy cerrado apuntaban a las bolitas para producir una leve sobre exposición lateral y dura sobre sus superficies. Por la derecha coloqué otro flash con un reflector para rejilla de panal de abeja que daba mas brillos y disminuía el contraste por detrás de cada molde. Fue necesario “apantallar” esta luz con una bandera negra de Avenger para evitar el “flare” sobre el objetivo. A pesar de disponer de un parasol flexible, éste no fue suficiente protección para evitar las refracciones sobre la lente debido al ángulo de toma y la posición rasante de esa luz de efecto.

Hasselblad MCO F  Hasselblad MCO F

Una vez preparado el set de luces, solo faltaba realizar una toma de la carta de colores ColorChecker para asegurar la reproducción correcta de los colores ya que en éste tipo de fotografías es muy importante que los alimentos tengan un color fiel a la realidad.

ColorChecker Classic GretagMacbeth 1998 ColorChecker GretagMacbeth 1998

El objetivo adecuado

Respecto al objetivo, las tomas fueron realizadas con una lente de 80 mm para Hasselblad. Ésta distancia focal es la normal para el formato de película 120 de 6×6 cms. , pero las fotografías se realizaron con un respaldo digital CVF 16 de 4×4 cms. , con lo que se producía un factor de multiplicación de aproximadamente 1,5. De esta manera, la distancia focal normal para el sensor sería mas o menos de 56 mm con lo que el objetivo de 80 mm se convirtió en un teleobjetivo corto. Esta distancia focal es muy habitual de utilizar en la fotografía de alimentación.

Hasselblad Body Hasselblad 501 CM

Hasselblad magazin  Chasis Hasselblad de película

Hasselblad CVF 16  Hasselblad CVF 16

Esquema de iluminación  Esquema de iluminación

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Bruce Lee

Llevaba tiempo con la idea de hacer algunas fotografías con la finalidad de promover mi trabajo en la realización de “posters” o “afiches” de películas. El cine es una gran afición desde que comencé mis estudios en la Universidad y así se unían en este proyecto dos lenguajes visuales que me han dado muchos placeres. Pero ¿que imagen realizar?

Bruce Lee  Kato / Bruce Lee

Decidí escoger algún tema vinculado a mi infancia, ya que éste ha sido un tema recurrente durante más de 20 años en mis proyectos personales. Bruce Lee fue Kato, el guardaespaldas del Avispón Verde. Éste papel le abrió las puertas a que pocos años después se convirtiese en una leyenda, a través de películas como Karate a muerte en Bangkok, Furia Oriental, El furor del Dragón y Operación Dragón.

Bruce Lee

Comencé buscando referencias vinculadas a la serie. Las versiones fotográficas eran demasiado sencillas y las únicas que le daban al cartel una cierta tensión y dinamismo eran aquellas versiones dibujadas que se hicieron desde un punto de vista algo contrapicado.

Bruce Lee

Sin lugar a dudas, las versiones del comic más modernas se acercaban a la idea que quería realizar. Los puntos de vista bajos y le inferían a los personajes un aspecto de superioridad y grandeza respecto al espectador. Este recurso me recordó muchas fotografías de Alexandr Rodchenko realizadas en los años 20 con puntos de vista “Nadir”, que exaltaban las figuras de los jóvenes pioneros de la recién constituida Unión Soviética.

Alexander Rodchenko © Alexandr Rodchenko

Otros referentes importantes fueron los carteles de películas vinculadas al mundo de la fantasía o las versiones más contemporáneas de series de TV clásicas. En todas ellas se repetía la idea de un punto de vista baja que realzaba al personaje y casi todas estaban insertadas en ambientes urbanos de grandes ciudades.

Isarrualde Photography

Por último, la iluminación tanto en las ilustraciones como en los carteles anteriores era un recurso de lenguaje muy importante. Además de la luz principal que le daba carácter al retrato, se habían utilizado una o dos luces de efecto para integrar mejor al personaje en el entorno.

Kato

El personaje de Kato era el de asistente del Avispón Verde, pero resultó ser más idolatrado que el personaje central. Conducía un coche blindado y acudía en ayuda del héroe cuando estaba en peligro. Su gorra y su máscara fueron los elementos esenciales de su vestuario y para conseguirlos tuve que navegar un buen rato en la red. La máscara de cuero finalmente apareció en Londres, producida por un muy buen artesano que las moldeaba manualmente. El gorro lo conseguí comprando un típico disfraz de Halloween y como la chaqueta era de muy mala calidad, un amigo me prestó una chaqueta de lino china auténtica que resultó un excelente complemento de vestuario.

Bruce Lee © Orlando Arocena

La fotografía

Nao es un excelente cocinero japonés radicado en Barcelona. Es amigo de uno de mis alumnos que con frecuencia me ayuda a realizar éstas fotos y por ello accedió a hacer de modelo. Sus ojos tienen una mirada muy penetrante aunque la fisonomía de su rostro es algo menos delgada que la de Bruce Lee. Ésto no resultaba ser un problema porque la imagen final estaba concebida desde el principio como una fotografía con mucha post producción, con lo que podía luego afinarse su cara en Photoshop.

La toma original se realizó en estudio con una ventana Wafer mediana como luz principal y dos ventanas Strip de Bowens como luces de efecto. Las luces de efecto tenían + 1 EV sobre el valor de la luz principal para que el efecto de luz fuese evidente.

Off camera flash

No utilicé una luz dura ya que luego la foto debía integrarse en un ambiente muy nuboso y por ello el contaste de la luz no podía ser duro. El cielo debía ser dramático y la sensación general de la imagen como un gran resplandor, más que el ambiente de una luz dura, muy definida y dirigida. Por otra parte había que integrar luego la katana y era importante que la luz diese un reflejo uniforme sobre el metal. Para ello, las ventanas eran los accesorios adecuados de iluminación.

Isarrualde Photography

Tuve que improvisar un estudio en la tienda de Artes Marciales ya que no podía llevarme la katana de allí. Dos flashes Yonguno 560 de reportaje rebotados en reflectores de tela blanca y la katana apoyada sobre otra tela plástica blanca fueron la solución rápida y práctica para no trasladar ventanas grandes y flashes de estudio a la tienda.

Era muy importante que esta foto se realizase después de las fotos de Nao pues debía copiar en la toma de la katana, la perspectiva con idéntico punto de vista que el retrato realizado a Nao en estudio.

Isarrualde Photography

El ambiente se logró con tres fotografías realizadas para la ocasión. Si bien algunas se tuvieron que hacer en días de sol despejado, la integración final fue muy eficaz. En éste sentido debo destacar la excelente labor de post producción de Tali Kimelman, quien desde Montevideo, Uruguay,  entendió rápidamente el concepto y realizó un estupendo trabajo de post-producción.

Debo decir que en la serie original Kato no utilizaba katanas, sino dardos de modo ocasional. La idea de la katana tiene más que ver con múltiples guiños y homenajes que Quentin Tarantino ha hecho en la película Kill Bill a Bruce Lee. Desde que la actriz Uma Thurman llevase el mismo equipo deportivo amarillo que Bruce Lee en “Juego de la muerte”, o que los “88 maníacos” que pelean con ella llevasen la misma máscara que Kato.

Bruce Lee

Indudablemente la fuerza real de Bruce Lee estaba en su destreza en el Kung Fu. En escenas de acción se suele filmar a 24 cuadros por segundo para que los movimientos de las peleas se vean más rápidos. ¡ En el caso de Bruce Lee filmaban a 32 cuadros, así se ralentizaba en un tercio la velocidad de sus golpes !

Kato y Robin

Como la productora de Batman y El Avispón Verde era la misma, en un programa de 1966 se hizo un “crossover” de ambas series. Los cuatro personajes se unían para dar caza a un villano no sin antes haber una pelea entre ellos. El guión elaborado por los guionistas de ambas series exigía que Robin ganase a Kato. Bruce Lee dijo : “No hay forma que la gente crea que peleo con Robin y al final pierdo el combate”.

Batman Green Hornet

“Cuando no exista centro ni circunferencia, allí esta la verdad”.
Bruce Lee

Esquema de iluminación.pdf  Esquema de iluminación

Bruce Lee.pdf

 

Decorados en estudio

La revista Clara me había encargado la fotografía de la portada del número de Septiembre y el texto destacado sería “Volver e empezar”, en alusión al final de las vacaciones estivales y la vuelta al trabajo. Debía ser una fotografía que trasmitiese una cierta energía positiva y vitalidad. A pesar de haber acudido al casting un buen número de modelos, el rostro debía trasmitir frescura y no fue fácil dar con la chica. Finalmente opté por Eva González … ¡ quien 6 meses después fue elegida Miss España !

Isarrualde Photography Eva González

No era la primera vez que realizaba una portada en estudio que pareciese realizada en otro lugar. Tiempo antes había disparado otra portada para la misma revista, esa vez con Araceli Segarra, la primer mujer española en alcanzar la cumbre del Everest. Como el resultado de las fotos con Araceli me había gustado, decidí repetir el set con pequeños cambios de atrezzo en el decorado. En otro post podéis ver un set de iluminación diferente que hice el día de la portada.

 Araceli Segarra

Lo importante en éste tipo de sesiones es contar con un estudio de grandes dimensiones para que la persona a fotografiar pueda separarse del fondo y de éste modo poder disponer de equipamiento que ayude a dar la sensación de estar en un espacio diferente. Había que sugerir el ambiente más que mostrarlo y al disponer de muchos metros de tiro en el set, se podía manejar la profundidad de campo a gusto.

Para la sesión con Araceli Segarra se montó un fondo de decorado con una ventana y un papel azul por detrás que al sobreexponerse daría una tonalidad parecida al cielo. La sesión con Eva fue similar … ¡ y hasta utilicé los mismos muebles de Ikea !

El grupo Hymsa/Edipresse, editor de la revista Clara, contaba con un estudio de grandes dimensiones y todo el equipamiento necesario para resolver con eficacia un encargo como éste. Las primeras fotografías se realizaron casi sin elementos de atrezzo, pero para la portada luego se utilizó un sillón muy moderno y llamativo que contrastaba muy bien con la ropa de Araceli.

  Peluquería Iñaki Ayabar

Quería que la luz principal fuese muy plana y para ello utilicé un reflector Beauty Dish de Bowens. Éstos reflectores, como su propio nombre lo indica, son muy apropiados para fotografía de Belleza ya que proporcionan una iluminación brillante pero no muy dura. Su reflector parabólico hace que los rayos se distribuyan a partir del foco geométrico de la parábola y su efecto queda a mitad de camino entre una luz directa y dura, y una caja de luz indirecta y suave.

  Parábola Softlite/ Beauty Dish

El efecto resultante era bueno, pero quise algo más de suavidad. Para ello, aumenté la superficie aparente de iluminación al colocar delante del Beauty Dish, un círculo difusor de Lastolite, de 1 mt de diámetro. La estructura que lo sostiene es muy fácil de montar y no interfiere sobre la superficie del difusor como lo hacen otros soportes más sencillos.

Difusor Lastolite

Faltaba resolver la iluminación del ambiente y el fondo. Para el ambiente se utilizaron dos cajas de luz Wafer de 1,4 mts x 2 mts colocadas en un lateral ,y en el lateral opuesto se colocaron dos reflectores blancos muy grandes que permitían reducir el contraste de luz del espacio. Las cajas Wafer, diseñadas por Gary Regester, tienen la particularidad de disponer en su interior un difusor de diseño exclusivo que produce una luz extraordinariamente suave. En 1979, cansado de no encontrar la difusión ideal de la luz, Gary comienza a desarrollar junto a Tom Frost, escalador y diseñador de equipos deportivos, sus cajas de luz a partir de prototipos similares a la estructura de una tienda de acampada. Fundan así Chimera y brindan al mundo las ventanas plegables tan exitosas en la fotografía de publicidad y retrato, y también el el cine.

Wafer 140

Éstas dos cajas de luz generaban un ambiente con una luz muy envolvente, pero debido a su intensidad, quemaban un poco el brazo y la mejilla derecha de la modelo. Para resolver este problema recurrí a un difusor Scrim Jim de 1 x 2 mts que absorbió un punto de luz y evitó la sobre exposición sobre la piel.

Lo bueno de los difusores Scrim Jim es que se pueden adquirir en diferentes tamaños y con diferentes texturas lo que permite tamizar la luz de diversas maneras. Por otra parte, el sistema de anclaje es muy bueno y bastante rígido, lo que permite trabajar con gran comodidad.

Scrim Jim

agarradera para Scrim Jim

Solo faltaba iluminar el fondo. Para ello utilicé dos reflectores Maxilite de Bowens dirigidos hacia dos reflectores de poliestireno expandido, dado que no disponía de mayor profundidad en el estudio y necesitaba que la luz sobre el papel azul del fondo estuviese bien distribuida. El fondo se sobre expuso + 1 EV para que el papel azul resultase en la fotografía, mas celeste que azul y así lograr un tono mas apropiado de “cielo”. Debo destacar que éste trabajo se realizó con una Mamiya RB67 y con película diapositiva color EPP de Kodak, con lo que al ser la latitud de la misma muy pequeña, cualquier fallo en el cálculo de los valores de luz hubiese estropeado el resultado.

En el caso de la sesión con Eva, el decorado fue el mismo pero en vez de utilizar un sillón tan llamativo opté por un mobiliario blanco para que apenas se notase el volumen de los muebles en la fotografía resultante. En algunas tomas también utilicé una cortina blanca muy translúcida para matizar aún mas el “cielo” que se veía por la ventana.

Decorado con muebles de Ikea

Esquema de iluminación

Decorados en estudio.pdf

Reservados todos los derechos. © Isarrualde Photography
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Steinberg, Miró, Haring and friends

Algunos trabajos fotográficos son verdaderamente difíciles de realizar en la era digital, y uno de ellos son las reproducciones de obras de arte. La fidelidad de los colores debe ser máxima y llegar a ellos es una tarea de alta precisión en toda la secuencia del encargo. Pero vayamos primero a la iluminación, que es de lo que se trata este blog. Al fotografiar una obra de arte – o cualquier otro motivo – nuestra principal preocupación en cuanto a la luz será su brillo, color y contraste.

Steinberg © Marcelo Isarrualde Saúl Steinberg

Realizo con frecuencia las reproducciones de obras de arte para la Galería A34 de Barcelona, además de trabajar para otros clientes en este tema, como cuando realicé las reproducciones de la obra de mi querido amigo Yamandú Canosa para la Fundación Suñol o trabajé para el CCCB fotografiando los automóviles Pegaso.

Reproduccion cuadros © Marcelo Isarrualde Galería A34

Muchas obras están enmarcadas y el cristal se convierte en el principal problema. Debemos evitar ver los reflejos producidos y para ello es necesario detenerse en el concepto de “familia de ángulos que producen un reflejo directo”.

Reproduccion cuadros © Marcelo Isarrualde  Reflejo directo

La fotografía anterior nos enseña un reflejo directo. Aquí vemos reflejado sobre el cristal el reflejo directo que produce una de las cajas de luz que utilicé para realizar la reproducción. En éste sentido es muy importante que desde la posición de la cámara no veamos ningún reflejo directo de las fuentes de luces utilizadas para realizar la fotografía.

Familia de ángulos © Marcelo Isarrualde  Familia de ángulos

Cualquier luz situada fuera de la familia de ángulos que produce reflejos directos de la fuente de luz, estará bien ubicada para comenzar a realizar el trabajo. Es importante posicionar la cámara alejada del motivo ya que si nos vemos obligados a colocar la cámara cerca de la obra, la familia de ángulos que producirá reflejos directos será mayor y nos obligará a poner la luz demasiado rasante al plano de la obra y las sombras del marco serán mayores.

Familia de ángulos © Marcelo Isarrualde

Otro aspecto esencial es que llegue a la superficie de la obra la misma cantidad de luz. En este sentido es importante que la fuente de luz esté alejada de la obra para que la luz se distribuya de manera homogénea. La ley de la inversa del cuadrado de la distancia nos recuerda que a mayor distancia menor cantidad de luz y debemos evitar los degradados de luz sobre la pieza. Por otra parte los reflejos difusos se hacen más brillantes a medida que la luz se acerca a la superficie reflectante. Debemos intentar que las distancias a y b del siguiente dibujo sean lo mas parecidas posibles. En el excelente libro de Hunter, Biver y Faqua podéis ver este tema desarrollado con mayor extensión.

Familia de ángulos © Marcelo Isarrualde

Si se trata de dibujos que no tienen relieve prefiero trabajar con cajas de luz grandes para lograr que las sombras producidas por el marco sean suaves y de bajo contraste ya que si el marco es muy profundo se verán de manera notoria y si la luz utilizada es dura no habrá transición entre las áreas en luz y sombra sobre la obra y será mas difícil de retocar en la post producción.Un detalle importante cuando las obras tienen cristal es colocar en el plano de la cámara una tela de terciopelo negro para garantizar que se absorberán todos los reflejos que podrían aparecer de la habitación en el cristal de la obra.

Reproducción obras de arte © Marcelo Isarrualde

A veces tenemos suerte y las obras no tienen marcos con cristal, y si además fueron realizadas sobre papeles mate solo debemos poner bien la luz. Dos luces simétricas, equidistantes de la obra y con el mismo ángulo de incidencia, será suficiente. En mi caso suelo utilizar para éstos trabajos cajas de luz Wafer y flashes Bowens.

Joaquín Torres García © Marcelo Isarrualde  Joaquín Torres García

Recuerdo hace unos años realizar un reportaje sobre la exhibición de las obras de Keith Haring en el Whitney Museum de New York, donde no pude iluminar la obra y solo conté con una hora para el encargo. Las obras estaban muy bien iluminadas pero varias de ellas estaban realizadas sobre lonas satinadas. A veces no se puede hacer lo que uno sabe que debe hacerse y debe resolver el problema con los escasos recursos disponibles. En este caso opte por alejarme de la obra y buscar ángulos de toma que evitasen los reflejos directos, aunque no fue posible en todas las obras.

Whitney Museum © Marcelo Isarrualde Whitney Museum © Marcelo Isarrualde

Keith Haring © Marcelo Isarrualde  Keith Haring © Marcelo Isarrualde

 La gestión del color en la era digital

La gestión del color en la reproducción de obras de arte es un tema fundamental y en la era digital no es algo sencillo. En primer lugar habría que saber con que fuentes de luces se va a trabajar y generar un perfil para el sensor de la cámara y esas luces. En su día tuve la suerte que mi amigo Hugo Rodríguez lo elaboró para mi equipo cuando tuve que realizar unas reproducciones muy difíciles de la obra de Joan Miró. Parte de los tonos rojos y azules de sus obras se situaban fuera del espacio de color reproducible en una imprenta y había que saber que decisiones tomar al respecto en el tratamiento del color.

Hugo Rodriguez y Marcelo Isarrualde   Con Hugo Rodriguez

Éste tipo de trabajo implica disparar un “bracketing” de exposiciones, revelar el archivo raw con el perfil desarrollado y con una curva en respuesta lineal. En éstas circunstancias a su vez hay que hacer un balance de blancos y evaluar el mejor histograma resultante para su revelado. También habría que comparar los valores de la carta Color Checker Gretag Macbeth CGI con la carta real fotografiada teniendo en cuenta que ambas estén en el mismo espacio de color. El propósito de representación del color en el programa de revelados de los raws también es muy importante y escoger el histograma mas desplazado a la derecha también, ya que garantizará resolver el nivel de ruido en las texturas negras, una mayor separación tonal en las altas luces y un rango dinámico mayor. La elección del histograma correcto es algo muy bien desarrollado en el último libro de Hugo, Captura Digital y Revelado de Raw.

Gretag Macbeth © Marcelo Isarrualde  Carta Gretag Macbeth

También habría que evaluar los valores en un espacio de color Lab cuando se convierte la fotografía de RGB a CMYK, etc, etc. Todo este tema se escapa a la finalidad de este blog de iluminación. Hugo lo explica de manera brillante en sus diversos artículos sobre el tema, entre ellos en el artículo sobre la carta de color IT8 que desarrolló para los Laboratorios EGM de Barcelona, donde también cuenta como hizo el perfil de mi equipo.

Miró IT8 © Marcelo Isarrualde  Obra de Joan Miró con IT8

Steinberg, Miro, Haring and friends.pdf

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Pegaso Cars

El Centro de Cultura Contemporáneo de Barcelona inauguraba una exposición sobre los emblemáticos automóviles Pegaso. El curador de la muestra, el artista Francesc Torres me había contactado para proponerme hacer el catálogo.

Pegaso car © Marcelo Isarrualde Pegaso Z-102 Spider Rabassada (1953)

Como dice Josep Ramoneda en el catálogo de la exposición: “…. Probablemente fue también este poder de fascinación del coche el que atrajo a Francesc Torres y le llevó convencernos a nosotros mismos –al CCCB– del interés de reconstruir esta rara irrupción de belleza en el siniestro universo político y cultural del franquismo.”

Pegaso car © Marcelo Isarrualde   Pegaso car © Marcelo Isarrualde

El desafío era muy interesante ya que Francesc no quería que el tratamiento fotográfico de los automóviles fuese del estilo de una imagen publicitaria, sino que quería que cada coche fuese tratado como una obra de arte, como una escultura casi con vida propia. Se necesitaban entre tres y cuatro fotos de cada coche; un plano general siempre con la misma perspectiva y tres detalles que nos diesen pistas sobre su anatomía.

Pegaso car © Marcelo Isarrualde  Pegaso Z-102 Spider Pedralbes (1954)

Los problemas operativos eran muchos. Por una parte solo el personal autorizado podía tocar los coches, limpiarlos y posicionarlos para cada toma. Por otra parte no se podían realizar las fotografías fuera del recinto del museo pero tampoco se podía disponer de la sala de exhibiciones para realizar las fotografías allí ya que carpinteros y electricistas trabajaban para colocar tarimas e iluminación de la sala, necesarios para la exhibición. Como se puede apreciar en la imagen anterior … ¡ la sesión se tuvo que realizar en una de las típicas carpas de alquiler para bodas y otros eventos !

Pegaso car © Marcelo Isarrualde

Hubo que disponer de cortinas negras interiores que cubriesen techo y paredes para poder controlar los reflejos de los coches. Sobre la tarima de madera de la carpa se colocó un suelo vinílico blanco, sin uniones, de 6 mts de ancho por 12 mts de largo para disponer de una única superficie continua por donde deslizar los coches. Sobre la pared del fondo se colocó una tela muy fina de color gris que se tensó y se clavó sobre un marco de madera de 3 mts de altura por 6 mts de largo.

Pegaso car © Marcelo Isarrualde

¿ Y como iluminar éstos coches ?

Todas las carrocerías brillaban mucho y los acabados eran muy diferentes, pero lo que verdaderamente condicionó el trabajo y la forma de iluminar fue la necesidad de fotografiar 4 automóviles por día y cada uno de ellos con su foto de plano general más sus tres fotos adicionales de detalles.

Pegaso car © Marcelo Isarrualde Pegaso Z-103 Berlineta Touring (1956)

Para la imagen del plano general se optó por una gran caja de luz de Bowens del tamaño del coche y muy cerca del encuadre. Todos los coches iban a tener la misma disposición de perspectiva frente a la cámara y de esta manera se lograba una iluminación uniforme. Disponía de dos cajas de luz Wafer 200 – de 1,40 x 2,00 mts. – que al situarlas juntas, horizontales y colocarles la estructura de un Wafer Bank por delante … ¡ se convertían en una caja de luz de 1,40 x 4,00 mts. !

Wafer Bank

Pensé en colocar delante de las cajas de luz un palio – una superficie difusora – de 6,00 x 6,00 mts para generar bordes difusos y degradados de los reflejos directos de la luz sobre la carrocería, pero la altura de la carpa no lo permitía. Para modelar los detalles conté con dos ventanas Wafer Strip 140 y otra Wafer 200, que junto al Wafer Bank me permitían modelar los reflejos de modo eficaz y rápido. Mas que la sutileza en el tratamiento de la luz se trataba de encontrar un set de iluminación funcional.

Pegaso car © Marcelo Isarrualde   Pegaso car © Marcelo Isarrualde Pegaso car © Marcelo Isarrualde

Los reflejos de las fuentes de luz iban a tener un dibujo de borde definido por lo que una vez escogido el punto de vista desde el que se haría cada detalle, debían moverse las Wafer Strip hasta que dibujasen un reflejo agradable que resaltase las formas de cada automóbil.

Pegaso car © Marcelo Isarrualde Pegaso Z-102 Spyder Touring (1953)

Pegaso car © Marcelo Isarrualde Pegaso car © Marcelo Isarrualde

Pegaso car © Marcelo Isarrualde

A veces los detalles no estaban en las formas del vehículo sinó en algún detalle de fabricación como los más de 1000 remaches que Giorgio Giorda había colocado en la carrocería que realizó del prototipo Rabassada, primer Pegaso oficial de carreras.

Pegaso car © Marcelo Isarrualde Prototipo Spider Rabassada, réplica exacta

La elección de un suelo blanco ayudó a poder realizar tantas fotos por día ya que por su color y su brillo satinado reflejaba el rebote de la luz del Wafer Bank en el suelo y disminuía el contraste general de la toma. A su vez utilicé grandes telas negras sobre el suelo blanco para delimitar hasta donde quería que el reflejo se viese en el automóvil.

Por último, … ¡ solo quedaba llevarse los coches y desmontar el improvisado estudio en una carpa de bodas !

Pegaso car © Marcelo Isarrualde

Pegaso car © Marcelo Isarrualde

Esquema de iluminación © Marcelo Isarrualde  Esquema de iluminación

Pegaso cars.pdf

 

 

 

¿ Playa o estudio ?

Era Julio en Barcelona, podríamos haber ido a alguna playa a hacer la sesión de fotos para la portada de Clara de Agosto, pero por diversas razones la fotografía se hizo en el estudio de Hymsa/Edipresse. Allí se puede tener un control absoluto de la luz, pero la dificultad es que casi siempre las fotos … ¡ parecen realizadas en estudio !

Poetada Clara 167 © Marcelo Isarrualde Portada de Clara

Alexandra © Marcelo Isarrualde   Modelo : Alexandra

Se trataba de que pareciese una fotografía realizada en la playa y para ello la luz principal debía ser como la luz del sol en un día de verano despejado, sin nubes. La luz del sol es dura salvo que este tamizada por alguna nube o que se trate de un día nublado. En exteriores el cielo ayuda a bajar el contraste de iluminación que produce el sol y rellena las sombras, pero en el estudio éste contraste es mas alto y debe controlarse con mucho cuidado.

Como luz principal se utilizó un flash Bowens de 1/1500 W/s con un reflector Maxilite y su resultado fue estupendo. Lo importante era que la luz principal fuese dura y un flash con un reflector standard – como lo es el Maxilite – colocado lejos de la modelo se convierte en una fuente de luz pequeña y genera una iluminación dura, sin penumbras, a la vez que amplia.

Bowens Gemini Bowens Gemini con Maxilite

Lente Fresnel

Podría haber utilizado otro tipo de accesorio mas eficaz, como lo es un reflector con una lente Fresnel, pero se estaba utilizando en ese momento en otro set y no podía disponer de él.

Broncolor flooter

Éstos accesorios hacen que el haz de luz del flash sea como el sol ya que al utilizar un elemento óptico, éste hace que los rayos de luz – en vez de dispersarse – se proyecten paralelos.

lente Fresnel

Parábolas como forma

Podría haberse utilizado también una parábola del estilo de los reflectores de Broncolor como lo és la parábola Satellite Evolution con una curvatura parabólica perfecta.

Broncolor Satellite Evolution Broncolor Satellite Evolution

Solo se trataba de posicionar el foco de luz en el lugar adecuado y tendríamos un haz de luces muy directo y duro. ¡ Pero no disponíamos de este accesorio en el estudio !

Parábola © Marcelo Isarrualde  Semiesfera versus paraboloide

Mejor aún hubiese sido contar con uno de los fantásticos paraguas parabólicos de Briese, pero el presupuesto era limitado y en España pocos estudios disponen de ésta fantástica marca alemana.

Briese 77  Briese 77

Debido a su forma parabólica, éstos accesorios permiten – por forma – conseguir que la distribución de los rayos sea paralela (en teoría) y de éste modo se parezca al sol. En el caso de los accesorios Briese hablaré en otro post ya que su diseño es espectacular. El efecto que produce es como el de un Fresnel con una luz muy especular, a la vez que muy envolvente. ¡ Sorprendente y cierto !

La toma final

Volvamos al estudio para ver como se completó el set de iluminación. Una caja de luz Wafer Strip actuó como luz secundaria para disminuir el contraste provocado por la luz directa del flash principal y se expuso a un ratio de – 1,5 EV. El fondo se sobreexpuso + 1 EV para que las gelatinas azules delante de los flashes que iluminaban el fondo se quemasen un poco y disminuyese así la saturación del color azul y de ese modo el fondo resultase un color mas celeste, como el cielo.

Esquema de iluminación © Marcelo Isarrualde  Esquema de iluminación

Playa o estudio.pdf

 

Besugo con tradición

Es un pez de carne delicada, que tradicionalmente se consume en muchos lugares de España en la cena de Nochebuena. Se cocina de variadas maneras y se trata de uno de los pescados azules con menor contenido en grasa, ideal a la hora de preparar menús ligeros.

Besugo © Marcelo Isarrualde Estilismo Ana Torróntegui

La idea del reportaje era que todas las recetas – de elaboración tradicional – tuviesen una imagen gráfica muy clara, limpia, a la vez que dar un aire festivo sutil de cena de Nochebuena.

Besugo © Marcelo Isarrualde

El atrezzo era muy blanco y las copas de vino – blanco también – acompañaban muy bien el ambiente general de la toma. Se trataba de sugerir la mesa, pero realizar un plano corto que centrase la atención en el plato y no una imagen descriptiva mas amplia que quitara la atención de la comida.

Making of © Marcelo Isarrualde Estudios Hymsa/Edipresse

El esquema inicial de iluminación se compuso de una caja de luz Wafer de Bowens en contraluz y dos reflectores blancos frontales que disminuían el contraste general de la escena. A su vez, un fondo blanco, lejano y sobreexpuesto completaba el set de luces.

Making of © Marcelo Isarrualde

Besugo con tradición se llamaba el reportaje realizado para la revista Lecturas Cocina. Constaba de 5 recetas y cada una de ellas tenía una particularidad en lo referente a los ingredientes que la constituían. Ésto generaba en el plato diferentes formas, volúmenes y brillos. Para cada fotografía hubo que disponer de algunas modificaciones en la iluminación, o al menos, si bien no modificar el esquema inicial , complementar la iluminación con otras luces. En algunos casos se utilizó un reflector con panal de abejas y cono, en otros un Fresnel, o ambos a la vez.

Esquema de iluminación © Marcelo Isarrualde Esquema de iluminación

Besugo.pdf